素描学到什么时候可以画人像？

按常理是需要画几何体，素描静物之后，我的经验告诉我没有必要，一开始就可以画人像，往往画的几何体和静物多了画人像反而过于死板，若从一开始就画人像就不会受到那些死物影响，画出来可能更灵活，生动些，随着人像学习可以在适当画些几何体，静物，以增加造型能力，但不要背过多的几何体分割害了，古人没有学过素描画的一样生动活泼，几何分割对雕塑更有利，对画人像可以给说没太多好处，人是肉生生的，不是石膏浇筑成的死物，至于人像立体感观察不同光线下的人就可以理解开始不要去理解，要我们眼睛看到的感觉去画，慢慢你会理解，绘画技术与技巧也需要时间练习积累。

雕塑表现出的活力。

画不好素描人像，应该怎么办？

那只有画国画了，多读书练书法，线条，意景，文人气，决定国画的好坏。

人像素描慢慢退出市场，这类人才前景又如何？

这是懒人的思维！科技与艺术无法比肩而立！

为什么中国画人物像画的那么差？

很多朋友平常翻书册，逛画廊，看展览，总会觉得自家传统的人物画不行，主要不满是因为它们“不逼真”，“画的不像”。不如西方人的肖像画作，非常写实，惟妙惟肖，很立体，如在眼前，栩栩如生。

（图：油画家冷军的“超写实”人物画作——最大特征是“像”，受到的诟病也在只“像”无“神）

有这种厚此薄彼的感觉，当然主要还是观念上隔膜的问题。这里面所反应出来的核心，甚至可以说是中西绘画及人物画表现重心之别。虽然说所有绘画都是视觉艺术，都是用眼睛作为媒介去观看的，国画也好，西画也好，都不能脱离“色彩”与“形状”这两个媒介。

但是笼统而言，西画确实更重视“形似”，而中国话尤其是人物画，宗旨在于“传神”。也因此，一般人会喜欢冷军那样的照样机式的超写实油画，而看何家英这类国画家的人物画，会感觉不知所谓。

一般而言，中国画非常注重主观情绪和意识的抒发，不是很注重“真实感”。以前中国画家，画前，早已“意在笔先”，“胸有成竹”，根本没有背个书包去黄山写生什么的，也不会花钱去雇个模特啥的，对着描摹。

自古以来，中国画家在学习时，在创作时，最喜欢说的话，听得最多的话，也许就是“外师造化中得心源”了。这是中国画家的“武林秘籍”口诀大法。用现在的话来讲，中国画需要的，不是去复刻风景或人物，让现实中的状态原原本本的移到纸面上来这么简单，而是更加看中所见所闻的感受，与丰富的想象能力，让所画的人与景都有生命力，能传达所画者的思想、情感、进而也让欣赏的人也同样能感受到这种情绪，引起共鸣。

（图：明代画家沈周的自画像——构图是如同我们证件照般的金字塔式，笔法是刚劲的铁线描，非常单纯。据题词“眼差小”、“额太窄”等，并不像，但是一代艺坛宗师温温儒者的风神直透纸面）

也就是说，对于中国画家而言，极端写实往往并非难事，但是在他们看来，绘画是创造性的艺术，不是为了复原，更不是为了谋生。西方式的职业画家，中国历史上基本上是没有的，连“扬州八怪”这样“市场经济”意识最强的帝国晚期画家，主业也是官员，只是偶尔卖画给达官贵人而已，像唐伯虎失掉进入体制的资格不得已卖画，整天哭哭啼啼的，也不是因为穷，而是觉得卖画是“贱业”，很丢人可耻。因此，无论是地位、意识、宗旨还是技法，中国画家都和西洋画家不大相同。

情绪、精神之类不是可以实指的，也是无法通过形似来传达的。过去的历史上，像“画圣”吴道子，是有名的人物画大师。他年轻那会，艺术家性情，不愿受束缚，辞去体制内小公务员差使，作“京漂”混迹长安时，开始也穷困潦倒，为了赚点外快，经常给一些像龙泉寺一样的大寺庙画壁画。据说，他画过一副《地狱变》，是佛教人物故事画题材，把地狱画的阴风惨惨，鬼神狰狞威猛，受难者苦痛哀嚎，有杀生为业的屠夫，见到了跪拜改变职业。像这种人物画，它所塑造的“真实感”，也不是形态上的“真实感”——地狱的惨状也根本无法通过形似的真实传达出来，而是情绪和氛围上的“真实感”。

（图：南宋梁楷《李白行吟图》我觉得最能展现中国人物画的特征——舍弃一切背景与形似追求，寥寥数笔，纯线描，而诗人疏放不羁的性情、边吟边行的姿态却为传神写照）

总之，中国传统画家，凡是留名的人物，都是文人士大夫。他们之所以“游于艺”，最终的宗旨是可以像庄子说的“技进乎艺,艺进乎道”。在他们看来，无论画什么，一心追求形似，就还是“匠”的层面，是非常“下流”的操作吧。他们很傲娇，也不屑“形似”。

具体而言， 传统的中国人物画，更注重的是“传神”。人物画，需要的是与欣赏者“感应”。

所谓“传神”，顾名思义，就是要传达出描绘对象的精神。这种“神”，是每一个人都独有的精神气质与神情状态。世界上没有一个人的相貌是完全一样的，更没有一个人的精神气质是雷同化的。国画的人物画，基本上不重视惟妙惟肖地完全刻摩出一个人的“形”体，虽然工笔画也多有，但并非主流。在”形”之外，传达出“神”，才是传统中国绘画及人物画的精华。

如上所述，中国人物画的主流是文人画。而中国文人是禅宗、道家等思想熏陶的群体，“遗形取神”是他们的中心意识。因此，他们始终认为，绘画的核心不是“形”，只有在这个基础之上呈现出为人物所赋予的生命，才能算得上“上乘”之作。

（元佚名者所画《倪瓒画像》——线条很疏放粗犷，衣服的质感、身体的肌理也是干净利落的，没有很写实化操作，但是却非常形象地刻画出了倪瓒高节的习性）

比如，历史上的一则故事所说明的：唐代名将郭子仪，曾请当朝两大名画家韩幹与周昉为他的女婿赵纵画像。画成，大家都觉得不错，郭子仪也觉得都是名家手笔，便张挂在家中，想比较哪一副更好。有一天，他的女儿回家，郭子仪就问她二画优劣。他女儿端详一番，即说后画最好。理由是，前画只是“像”，“空得赵郎状貌”，而后画却能兼得赵郎的“性情言笑之姿”。

后世论中国人物画的，常拿这个故事作例，认为郭女是真懂画者。而它也确实说明，传统人物画并不太重视“形似”，而更看中人物的精神特征。所以，历代人物画家，画人，多在形上笼统，一心想着的，是画出人物的性格、心情与气质。也所以，为什么对于中国画家而言，人的脸部处理，是最麻烦的，而脸上的眼睛如何画，又是尤其高难度的工作。

说到这，大概也能说明为什么传统中国对于画家的人品德行、人格操守要求会那么高——西方画家比如毕加索、达利这些大师基本就是个“人渣”，但西方人从来不以为意。 这不单单只是绘画工具差异导致的原因，而是趣味和情志要求上，就有不同。也因此，就我本人观感而言，当下范曾号称“国画人物画大师”，可我很难被get到——画者自己都没啥正气，如何可以让笔下的人物元气满满？

不过，平心而言，和西方盛行人物画的风潮比起来，传统中国的人物画确实不发达。

（图：清代蒲松龄生前画像。照相机普及之前的中国民间，几乎每家每户都会请无名画师给老人画像，留以纪念——这类人物画像，大概也是中国画中最追求“形似”的实践了，他们多少也因此永无法登中国画的“大雅之堂”）

传统中国画，论题材，大宗的始终是山水风景、翎毛走兽、宫殿楼宇、天地花木，而人物画从来都比较不受重视。比如，我们今天看宋时名画张择端的《清明上河图》，就可发现，里面的日常生活场景栩栩如生，而凡是涉及到人物时，面目往往模糊。对于写实的人物，他们好像都有意避开。这一点缘由，我们似乎也不难推测：物体的“形似”是不难描摹的，但是人物的“神情”却是高难度，只可意会难以笔传。也因此，古往今来国画家对难易的认知，多数都会认为人物画其实是最难的。

我们看历代以来，我们的国画，专门的肖像画，论数量，虽然也不少，但是比之山水之类，就已经很不如了。人物画，无论比之自己山水画，还是衡量以西方的肖像画，不能不说，确实没有那么发达。即便是到今天的中国画坛，画家们也多是长于山水、花卉、翎毛一类，人物画一道还是相当式微的种类。至于还用传统的国画技法来画人的，就更是难以见到了。这不是有意示弱，灭自己威风，有闲逛逛画展，看看瞧瞧，就一目了然了。

（图：西方名画意.乔尔乔内《入睡的维纳斯》. 画于约1510-1511年.德累斯顿国家美术馆藏 )

进入现代以前，在还没有的照相机的时代，那些大半无名的中国民间画家，赖以为生的谋生途径就是给人画像“写照”。我们今天逛各地古董市场、旧货摊点，看到最多的画作差不多也是这类前人的画像吧。他们大都穿戴华美，正襟危坐，雷同感很强。何以故？因为此类大部分人物画，都是画师预先早已先把躯体、服装之类画好了，一旦有生意上门，他们只替主人画个头像，剪下来安装上即可，真如零件组合一般——范曾大师的“流水线”操作实古已有之呢！而知道了这个事，我想，大概也就多少能明了中西人物画的某些区别所在了吧。

2018，10，6，晚，闲谈

感谢大佬们赐阅。会勉力每天都写三两篇随感。欢迎关注、点赞、留言批评——虽然我是不会改的

你如何理解人像素描的头骨？该怎么学好素描？

多看书，网上有人体结构的书卖的，可以买一本来，其次就是多临摹，多临摹肯定是没有坏处的
现在科技这么发达，网上也有很多免费得视频教程，微博上也有的
一定要带着问题去看这些结构，只有结构准了五官啥的都不在话下了
，结构喝。简单的，主要把头骨分成一些几何体去理解就很容易明白的，这些结构书上面都会画的很细的
素描是个比较枯燥的东西，要静下心来慢慢琢磨

画好素描人像，除了难在五官，其次就是头发，该如何告别“假头套？

画人像素描好多的人基础练习都是为了考学，所谓应试教育害死人，为了快速提升效果一些所谓的教学大师总结出来很多经验，来增加画面效果，过度增加对比度来提升画面效果，导致画面整体过于刚硬，远观效果突出，近观一塌糊涂。画人像素描之所以会出现“假头发”是因为画的太硬，头发上缺乏层次关系，过多的追求整体层次关系，忽略了头发上的层次关系，头发虽然整体是黑色的，到它的层次变化很多也有明暗虚实变化，有轻有重，不能画成一样的黑色，在黑色中找出明暗变化，头发整体是有头发丝构成的，要做用硬铅笔画出头发丝的走向，增加头发的蓬松感，就不会出现头发的假发感觉，也要注意头发的虚实变化和脸部的明暗对比，对比过于强也会出现假发现象。

如何画人像素描？

人物头像素描在非专业的人来看很难画，但实际并不是很难。首先要先了解下人物头部的基本肌肉结构和透视比例，学习下正常一小時足也。

人物比例的三停五眼等只需十分钟便行了。
然后我以经典的高尔基石膏像写生为例
稍作说明，希望能抛砖引玉

先了解人物生事迹，性格特征，社会身份，再分析人物特点,如刚毅、睿智、英俊、邋遢……再打形，适当让线条的刚柔长短和性格结合。

第二步:铺上大关系，区分明暗大关系。并对不准的地方进行修改调整。

第三步:拉开明暗大关系，细节适当深入表达。

第四步:深入表达，细化局部，主要的视觉中心，如五官进行细致表达。

第五步:调整大关系，尽力达到完整统一。

局部表达要区分前后、远近、主次、虚实的关系，如眼、鼻、胡须要深入细致，耳朵,颈部要虚化整体。

人物头像和石膏像几乎如出一辙，只是皮肤质感和毛发等有粗细软硬之别。就不再赘述。

素描人像有哪些技巧？

头像篇：

好看的皮囊千篇一律，有趣的灵魂画手万里挑一。绘画前提是了解绘画对象对象。绘画对象有形体色三大要素。形，轮廓与内部、细部结构形状；体，体积，立体感；色，颜色与灰度。

头像的绘制也一样居于绘画三大要素，所以第一部大多是捕捉形，即描绘外轮廓，个人速写精神导师于小东推荐用剪影法，不妨参考一下。其实这样讲述我都觉得抽象，简单点说，就是把人头当成一个苹果来画。绘画某条铁则：复杂的物体简单化处理。剪影大形～整体光影效果，通过色度处理不同质感(头发皮肤嘴唇等质感都有区别颜色也不一样)。在学习头像绘画的过程中，首练石膏五官和肌肉男，这就造成一个普遍纯在的问题，那就是眼耳口鼻画得好的人不少，脸蛋却画不好，只会一味想着卡拳骨。有暗面的地方的立体感总是容易处理一些，因为有光影就有转折，但是人脸一大片，只有灰色和亮色，有些人怕画黑不敢下笔画，只会一片留白。

素描头像：人的脸是灰色的。亮面也是灰色的，高光才是留白。

只有了解物体的色块，才能画出真实质感，写意就是抓住绘画对象的特征，并将其描绘下来。特别的头型，特别的五官，特别的头发或衣服，每个人都不相同，每个人都很特别。但总有培训机构可以把学生培养成机器人，画的头像像模具里出来的。他们是背头像，不是画头像，因为老师不给他们讲解观察方法，只懂得示范怎么画，有些老师画的五官都是一个样，特别是鼻子，我曾经都陷入过这样的套路中去，同样的步骤同样的形同样的黑白灰和高光，出来同样的鼻子，但是立体啊。在背头像。不懂得观察对象的原因是不了解对象，不懂得处理绘画对象。怎么说呢？就是技术不够，塌鼻子怎么画立体？这是我一开始想到的疑问。不是每个男人都有大卫那样的高鼻子，所以鼻子怎样才能画立体，所以基础很重要，但是我们只学了欧美人的结构啊，只画过肌肉男，只画过一种鼻子，只表现过一种形态的鼻子，如果不背头像不背五官，极大可能是画不出来立体感的五官。

思考，练习。不断循环。

画头像练习对象一定要选对，最好是身边的人，身边的人肯定不是一个个长得像郭富城那样的，都是长得很有特色的人。绘画某铁则：越丑的人越入画。长得有特色，他的特点自然更容易被捕捉到。偷偷画身边的人吧，边和他们聊天边偷偷的画他们，把他们最自然的一面捕捉出来，而不是画摆拍的僵硬图片或者僵硬的模特。

一定要了解绘画对象的形体色三要素，一定要记住复杂的事物简单化处理，简单的事物复杂化处理。一定要思考。请拒绝成为绘画模具。

素描有可能被淹没在历史的舞台当中吗？

谢谢邀答。

因为，素描本身就要求：造型要准（应该就是普通老百姓说的画的要像），要有质感。。。。。。这就决定了素描首先要忠实于被描绘的对像（不论是人体还是静物素描），所以，我理解的是：只要人、物不退出历史的舞台；只要绘画者依然认为素描是其他画种的基础，那么，素描也就依然会在绘画历史舞台上，继续发挥它夯实绘画基础的关键作用。

对素描的超现实主义，我是予以高度赞赏和钦佩的，其实，它不仅展示了作者深刻理会描绘对象，细仔刻画对象，完美表现对象的能力，而且，也是作者在普通意义上素描的精神升华，从而使其作品更具冲击力。如，冷军的几副超现实主义佳作，就极具冲击力，自然也就会唤醒人们的欣赏快感，产生艺术共鸣。

其实，如若作者没有对自己绘画能力的高度自信和对艺术表现力的理解，是很难跨上超现实主义层次的。这就是我作为一位绘画爱好者对超现实主义素描的认识。对此问题，其实我也非常纠结，如：别人给我一张照片让我给画头像，我就不敢超越照片拍照出的所谓“调子”去深入刻画，总担心别人说画的跟照片不像。（附习作）
我的习作在造型上我自信没问题，但就不敢进一步刻画，尽管我清楚只照照片描绘肯定就灰了。对此，我是非常纠结的。