有哪些精美的玉雕作品？

知道邱启敬的人

对他第一的反应是:他是一个翡翠雕刻大师，是当代翡翠界的标杆人物

他的系列极简、禅意风格的作品在雕刻界独树一帜，掀起了追捧狂潮

佛教题材《极乐世界》翡翠雕刻以6400万人民币创下当今中国翡翠雕刻拍卖最高的纪录

翠迷们知道的，或许只是邱启敬老师的冰山一角

听完他的讲座，你也许会和恒法师有相似的感受

“我们都误读了启敬，他不是只是一个雕刻大师，而是一个雕塑艺术家”

邱启敬的作品之所以跨度这么大，离不开他的个人经历

他将自己的创作生涯分成三个部分：2005年之前

主要从事寿山石雕创作；2005年到2010年，整整五年的时间，他离开雕刻行业

而将全部的重心都转移到了对当代艺术的探索中，经过几年对传统文化的思考和重新认识

2010年，他重新回到雕刻界，用一种全新的眼光看待当代雕刻设计

邱启敬老师的雕刻美不美，有没有惊艳到，别急还有王俊懿老师的作品

王俊懿尝试墨翠雕刻时间之早、手法之新

完全可以说是将现代墨翠雕刻提升到了一个新的高度

墨翠是翡翠里面的“少数民族”，一开始并不引人注意

墨翠的质地是翡翠里面最细腻的，它的密度很高

适合细致的工艺。于是，王俊懿就吸收了寿山石的一些写实雕法

把它运用在墨翠上，淋漓尽致地去表现写实的肌理、形神

其实小鱼第一次见到王俊懿大师的作品宝宝佛系列，是佛的形象都以婴儿形象出现在翡翠雕刻界

翡翠界和艺术品收藏界，颠覆性的创造了翠迷们对佛的全新形象理解

“药师琉璃光宝宝佛”其翡翠本身透明无瑕

带着一模春水般的淡绿，沁人心脾

而王俊懿先生写实纯真的创作风格

将传统的佛像艺术以婴儿般静谧祥和的神态精心雕出

更是以史无前例的独具匠心之举，使“宝宝佛”在中国当代翡翠艺术史上

具有独一无二的艺术价值和历史地位

看了邱启敬和王俊懿两位大师的作品有没有被这巧夺天工的手艺而震惊

其实翡翠雕刻在我国历史悠久，举世闻名，有着深厚的文化

三字经里有提到过：玉不琢，不成器

再加上历代雕刻大师传授下来：“玉必有工，工必有意，意必有吉祥”

翡翠雕刻是来源于人们的信仰，明间传说，动植物的谐音和暗喻等

了解了中国的传统文化，才能对图案有更广泛的了解

去享受传统文化带来精神上的愉悦，这就是翡翠饰品文化内容的真谛

翡翠雕刻是把一件件翡翠原石变为艺术品的过程

也是决定翡翠成品的市场价值的重要因素之一

翡翠雕刻作一般来说有四个步骤.先审料，再设形，然后治形，最后到传神

自己的美术作品在可在什么平台免费宣传？

新媒体平台发布

如何使自己的美术作品“脱颖而出”？

拜名人为师，由名师指点，名师提携，你的名气会水涨船高，参展获奖会水到渠成。

借名人之笔，壮自家声威。画成之后，求名人题字，折一时腰肢，增几多身价。如当年某人，专作一画然后求请郭老题诗，事成后竟名利双收。

什么样的美术作品能让大众更好的接受？

这是个很有意思的问题，因为它涉及到大众化的审美价值取向与作品艺术价值取向之间的悖论问题。

现实的情况是，大众觉得是美的作品、好的作品，往往艺术家或者顶级投资人认为是一般的、或者是看不上眼的作品。

一般的情况下，大众化的审美取向，往往更能接受对那些传统的，现实主义、古典主义或新古典主义的美术作品。

从欧洲的美术作品来说，这些作品时大家喜闻乐见的，见下图——

但是，在当前的顶级拍卖市场，拍出天价的作品，往往不是那些被大众审美所能接受的作品。

在拍卖市场上，能够拍出天价的往往是有些“另类”的，或者说，是普通老百姓不大看得懂的艺术作品。

比如2015年拍出了世界艺术品拍第一高和第二高价的两幅作品，它们分别是5月拍出的毕加索画作《阿尔及尔妇女》，成交价170,405,000美元，和土豪刘益谦以1.7亿美元拍得的意大利画家莫迪里阿尼的作品《侧卧的裸女》。

所以，这里就出现了两个看似有些“对立”的问题：大众喜欢的美术作品，价值不是最高的，而价值最高的，大众觉得很怪诞！

实际上，这个问题并不矛盾，不同的艺术风格，本来就是为了满足不同的人群的审美需要，所以各有各的喜好并不奇怪。

比如一些古典主义的作品，就很符合大众审美的艺术作品，但在拍卖市场的价格并不会高到离谱。

再者，拍卖市场历来是个奇葩，如果是大众都看得懂得，数量又众多的作品，炒家是看不上的。

从投资、炒作、收藏的角度来说，资本更喜欢那些独特的，相对稀缺的，甚至是唯一性的作品。

所以，《蒙娜丽莎》甚至可以说是无价的。

美术作品应该怎样分类保存？

受制于纸张的特性，折纸作品怕潮，易变形褪色，不便于长期保存，看起来比其他艺术作品要短命。通常使用定画液、发胶、喷漆等外部喷涂来定形和防潮，当然保存时还要注意避免阳光直射，以免作品褪色......

中国古代有写实美术作品吗，为什么？

中国古代有不少写实作品，我们司空见惯的工笔画就属于典型的写实作品。虽然工笔画跟西方写实油画有很大差距，但在很多特征上，工笔画完全具备写实作品的某些特征。比如，追求准确的比例结构，追求逼真的形象，追求丰富而细腻的固有色彩。

写实人物

工笔画跟写实油画最大区别是，工笔画是在二维空间中平面构成的，油画是在三维空间中凸显立体感的，也就是体现物象本身的凹凸感，以及阴影明暗关系。并不是工笔画画不出这些特征，主要原因是不符合中国人的审美趣味。

写实人物

比如，在工笔人物画中，如果画出阴影明暗关系，半边脸上有亮光，半边脸上无光比较暗，中国人认为那是“阴阳脸”，不但影响观赏者的视觉感受，而且让画面有失美观。

中国传统文化中有这么一句话：形而上者谓之道，形而下者谓之器。意思是说，法则和道理是无形的，最终能体现出精神层面，是一种大道。器具和形象是有形的，受法则和道理的支配。

唐·韩干《牧马图》

因此，这句话就给中国文化艺术制定了一个基调，那就是在艺术表现中，以重视精神的提炼，忽略形象的描摹来作为艺术创作思想。并不是中国人画不了写实作品，而是文化属性与艺术理念对写实画不感冒。

五代十国·韩熙载《夜宴图》

在宋代以前，院体画一直占据画坛主流地位，那时的中国画是非常偏重写实的。诞生了许多惟妙惟肖的写实作品，如，唐代韩干《牧马图》，唐代韩滉《五牛图》，唐代周昉《簪花仕女图》，五代十国韩熙载《夜宴图》等作品，无一例外都是刻画工整，设色细腻，形象逼真的名作，具有极高的写实特征。

唐·周昉《簪花仕女图》局部

当宋代以后，文人画开始占据主流地位，写意画成为文人雅士消遣的一个工具，文人雅士在茶余饭后，抓起毛笔即兴发挥，涂涂抹抹，画出那些展现笔情墨趣的花花草草和山山水水，一直影响到了现在。

宋徽宗《芙蓉锦鸡图》

这时的中国写实画日渐式微，但还是诞生了不少写实作品，如宋徽宗的写实花鸟，如《芙蓉锦鸡图》，明代黄济的人物画，如《励剑图》，明代唐伯虎的仕女系列，《牡丹仕女图》等作品，都是写实画的佼佼者。

如何理解油画或美术作品中的“人体工程学”？

“人体工程学”是一门综合学科，属于哲学范畴，它包含了许多子学科，主要有生物力学，环境生理学，人体测量学，工程心理学等6大类别，主要研究方向为，人在工作中，同自然环境和机械设备所能达到何种程度的和谐关系，从而发掘和提高工作效率，创造出更多的劳动价值。

人体工程学示意图

现代社会倡导以人为本，把人看作是创造财富的根本元素，如何让人处在有利环境中，发挥最大优势，成为工业社会研究的重点。因此，人体工程学是在工业快速发展中，自然形成的适宜社会建设的一门新兴学科，产生于上世纪60年代，对现代社会的进程和发展具有十分重要的意义。

达芬奇人体解剖学绘图

确切地说，美术创作中需要人体工程学，但美术是一个大范畴，“人体工程学”仅限于环艺设计和室内设计方面，是为了给劳动者创造更舒适，更安全的劳动空间和生活环境，把人的潜能最大化发掘出来。

比如，门窗、桌椅、床、厨具等工具，在设计时尺寸应该多大、多高？既能符合人体的生理结构，还能节省空间，最终满足人们工作和生活的需要。

达芬奇油画《丽达》

油画中用到最多的是“人体解剖学”，是以科学精神研究人体的形态和结构为主，并确立各个器官，如肌肉、骨骼，以及眼耳口鼻与手脚等器官的大小和比例。这门学科是油画在形成之初，大约在600多年前，由绘画大师达芬奇提出，并创立的一门学科。

米开朗基罗雕塑《晨》

达芬奇认为，绘画作为视觉艺术，首先要在造型上准确无误，如果造型处理不好，就无法客观地展现物象的基本特征。

因此，达芬奇亲自操刀，解剖了许多动物，仔细研究它们的内部结构，并画出了大量草稿图。

提香油画《奥维拉》

达芬奇的做法，很快得到了当时绘画界的认可和响应，在以后的绘画中，油画家都遵循这个规则，把精确的造型精准看作油画最重要的特征，为油画的发展制定了一条主线。这条主线也一直贯穿于西方绘画史。

古代美术作品中的鬼神是根据什么创作的？

世上本没有鬼神，古代的人类为了表现鬼神的形象时，就挖空心思，结合现实生活中的人、物、兽为重要参照物，再结合一些稀奇古怪的想象力，鬼神就出来了。

但细细地比较起来，中外古代美术作品中的鬼神还是存在一些异同之处。

中国文化中的鬼的概念，较早形成的时间大约在战国时期，鬼的原意是指人非正常死亡后变成了危害活人的恶鬼。

正是在这种鬼文化的指导下，鬼的概念在人们的心目中自然是面目狰狞，恐怖，骇人的形象。所以中国古代美术作品的鬼，自然是丑恶吓人的形象了。

西方的鬼的概念则更为直接，在中世纪不少的绘画作品中，死神的概念性形象往往就是一具具行走的骷髅。

神则不同，神在古代的美术作品中，往往带有崇拜和庇护的意味。

事实上，由于古代人类对自然现象的恐惧和对生产生活的美好向往，因此他们所塑造的神往往与生产生活息息相关。

比如神手中持的武器可能就是原始人类捕猎的工具，神往往具有超人的力量，而为了拥有这种超人的力量，神必须拥有非凡之躯体——人兽合身等。

有意思的是，人兽合身的神在中外古代有着相同的构思和形象。这在古代信息交流相对隔断的背景下，正好说明了人类的想象力竟然如此惊人的相似。

当然，中西方古代的造神运动，在西方文艺复兴之后，出现了差异，这在某种程度上是中西方文化、科技的一次分水岭。

在西方文艺复兴进行的时期，西方的科学、技术得到了一定发展，资本主义得到了初步的萌芽，而当时的中国则继续封建王朝的周而复始。

此时，美术作品中的神，西方开始由人兽合体趋向人格化，神体就是人体。

西方美术作品中这么一个小小的变化，竟然成了中西方现代文明发展方向出现分化的一个重要标志。